LED ZEPPELIN

Jimmy Page: guitarra / Robert Plant: armónica y voz / John Paul Jones: bajo / John Bonham: batería

INTRODUCCIÓN

¿Led Zeppelin? ¡Ah sí! Led Zeppelin... ajá, los Beatles de los 70, si, los creadores del heavy metal... y ¿No fue Led Zeppelin el grupo que hizo esa bonita canción sobre la escalerita? Dificil tarea esta señores... revisar nada menos que a Led Zeppelin es un ejercicio harto complicado. Es que ¿Saben? Esta banda fue grande, grande en serio y hay tanto fuego cruzado a la hora de teorizar sobre su legado musical que francamente no estoy seguro de que quiera meterme en el medio.

Basta de tonterías. Verán, Led Zeppelin sigue siendo una de mis bandas favoritas y lo único que tengo que hacer aquí es explicarle a la gente por qué a mí, justo a mí, un tipo de buen gusto y aceptable juicio crítico que disfruta con el jazz y la música clásica viene a gustarme esta panda de pretenciosos, machistas, metaleros drogadictos, plagiadores irreverentes de los maestros del blues y patéticos seguidores de la magia negra y el misticismo de segunda mano ¡Jaraja! Sip: así como Led Zeppelin ha sabido conquistar legiones de seguidores y admiradores, también ha generado su buena dosis de odio y desprecio, odio y desprecio que auspicia la tan negativa imagen que acabo de dar de la banda. Ocurre que a lo largo de los años Led Zeppelin ha sido considerablemente sobrevalorado: mucha gente no ha podido tolerar esto y terminaron pasándose al otro lado, a veces hasta extremos que impiden apreciar los méritos de Led Zeppelin. Ahora bien: no dejemos que la rabia nos enceguezca y tratemos de hacer un análisis desprejuiciado. Dejemos de lado la rabia de que se hable más de Led Zeppelin que otros grupos igualmente respetables de la época como Deep Purple, Mountain, Black Sabbath o Atomic Rooster. O la rabia de que se hable bien de Zeppelin cuando sus últimos tres o cuatro álbumes han sido verdaderamente obra de la mediocridad. O la rabia de que Page y Plant hayan plagiado a granel a los maestros del blues. O la rabia de que sus ridículas pretensiones de mísitica y ocultismo efectivamente fascinen a alguien. Dejemos de lado el prejuicio y tratemos de hacer un balance entre lo bueno y lo malo de Led Zeppelin.

Para empezar, tengo que decirlo, Led Zeppelin es en realidad una banda, si no de genio, de talento. Generalmente suele aparecer una "santísima trinidad del heavy metal" junto a Deep Purple y Black Sabbath y tengo algo que decir al respecto. En primer lugar: Led Zeppelin no es heavy metal; puede que sus canciones y riffs hayan propiciado una suerte de "condición de producción" para el detestable metal que invadió los años siguientes a la hegemonía de la banda, pero Led Zeppelin es una banda infinitamente más imaginativa, versatil y poderosa que cualquier grupo que integre ese movimiento. En segundo lugar (y aquí varios me van a pegar con todo), debo decir que Led Zeppelin es una banda bastante más grande que Deep Purple y Black Sabbath. No es que no me gusten estas dos agrupaciones, pero Deep Purple ha sacado solo tres álbumes buenos (y bastante similares entre sí) para después empantanarse en la mediocridad absoluta... el caso de Sabbath es algo similar. Led Zeppelin ha producido su justa dosis de basura, pero en su pico fue una banda mucho más expeditiva, más versátil, más inquieta por hacer que sus álbumes sonaran siempre distintos y aunque los cambios de fórmula les dieron éxito solo hasta su sexto álbum siempre será mucho más interesante escuchar a Led Zeppelin experimentando con el blues, el hard rock, el boogie, el folk acústico, el funk o el sinfonismo que escuchar a Deep Purple y Sabbath atacando siempre con las mismas canciones pesadas una y otra vez.

Hay quien dice que los "experimentos" de Led Zeppelin han generado penosos desastres, sobre todo en álbumes como Led Zeppelin 3 y Houses Of The Holy y que por lo tanto el argumento de la versatilidad pierde valor. Pongamoslo así: en efecto, varios de estos experimentos de género han acabado muy mal (Escuchar entero el último álbum de estudio para tener un doloroso panorama de la decadencia) pero mi opinión es que en sus años de gloria han sabido manejar todos los géneros que abordaron con suficiente buen gusto e inteligencia para que todas esas canciones sean, si no obras maestras incomparables, al menos dignos esfuerzos capaces de borrar a la competencia de un plumazo.

Pero Led Zeppelin tiene ciertamente más ventajas. Una de ellas es que pocas bandas han logrado ser más potentes que esta formidable combinación entre una sección rítmica devastadora (John Bonham y John Paul Jones figuran entre los máximos exponentes en sus respectivos instrumentos) un Page capaz de sacar de sus seis cuerdas riffs mastodónticos, solos desbordantes de virtusismo, atmósferas decididamente perturbadoras y un Robert Plant fundando el prototipo de cantante de heavy - metal con una voz de altísimo registro. Teniendo en cuenta que la principal marca de fábrica de esta banda era el hard - rock BASTANTE PESADITO, el resultado tiene que ser, y lo es, ciertamente destructivo, demoledor, aplastante... Pero claro, a ver si me hago entender, miles de banditas mediocres han rockeado duro y alto en la historia de rock ¿Por qué Led Zeppelin destaca? ¿Por qué Led Zeppelin es inigualable? En parte porque fueron pioneros; cuando Led Zeppelin salió en 1969 NADIE había tocado el blues y el rock con tanta dureza y potencia. Ni siquiera Jimi Hendrix, ni siquiera The Who... pero además porque el virtuosismo de cada uno de los tres instrumentistas garantizó que la "pesadez" de Led Zeppelin fuera mucho más creativa y, sobre todo, excitante que la de muchas otras bandas. Ni siquiera los Who, una banda mucho más inteligente, melódica y creativa que Led Zeppelin, ha logrado brindar (al menos a mi juicio) hard rocks tan frescos como los de Led Zeppelin en sus épocas de gloria.

Pero lo más meritorio es que, sin importar lo clave que fue la fórmula del hard-rock y el hard-blues en el surgimiento del mito de Zeppelin, el grupo ha sabido abandonarla e internarse por diversos caminos alternativos con resultados placenteros. Es decir: no se conformaron con una sola fórmula. EXPLORARON, EXPERIMENTARON. Como dije antes, muchos consideran que Led Zeppelin era una banda sumamente limitada creativamente y que estas "transgresiones" solo derivaron en completos fracasos artísticos pero la verdad es que, con oídos desprejuiciados, la música "alternativa" de Led Zeppelin suena tan interesante y agradable como sus himnos estándar de hard rock.

Ahora los defectos. Toda banda tiene que tenerlos; y en el caso de Led Zeppelin éstos son bastante resonantes y han derivado en que mucha, muchísima gente se vea impedida a disfrutar de su música. En primer lugar, estos tipos robaron de lo lindo en los primeros días, canivalizando oscuras composiciones de diversos músicos y acreditándoselas a ellos mismos o insertando obvias melodías preexistentes con la letra cambiada. ¿Una banda con cierto nivel de creatividad necesita tomar melodías prestadas para sus propias canciones? No, no pareciera. Esto en los primeros álbumes. Más tarde abandonaron esta idea de plagiar a los maestros del blues y la reemplazaron por una fascinación por la magia negra, lo oculto, lo místico, lo maravilloso y lo épico, incluyendo obsesiones con Aleister Crowley (un demente "mago" que no se ni de dónde salio) y J.R.R Tolkien. El problema es que todos estos delirios mágicos no fueron una parodia ni una farsa. Los tipos (sobre todo Page) se lo TOMABAN EN SERIO y esto lo dejaban bien claro en ciertos pasajes de su música, que en muchos oídos suenan bochornosamente pretenciosos, inflados y recalcitrantes. Para colmo las letras de Led Zeppelin siempre fueron extremadamente irrelevantes (para no decir irritantes, ridículas y de mal gusto), nunca fueron una banda muy lúcida con las melodías y tampoco eran muy habilidosos en el departamento de componer canciones (¿No les digo que en los primeros días tenían que vampirizar temas ajenos para crear sus máximos himnos?) En definitiva, un desastre.

Epa! ¿Cómo hice para superar todos esos defectos y efectivamente disfrutar de esta musica plagiada, pomposa y autoindulgente? ¡NO SE! Ahora en serio: vamos por pasos. Lo de los plagios es algo que sin duda genera alguna incomodidad, pero después de todo el blues siempre ha sido igual. No se le puede pedir mucha originalidad a alguien que toca blues y Led Zeppelin fue bastante original, estilísticamente hablando, en su primer álbum... en todo caso, la práctica de "reinterpretar" temas ajenos no es en absoluto extraña en el blues y a veces hasta puedo hacer de cuenta que todas estas insersiones "prohibidas" son más bien sentidos homenajes a los maestros de antaño, sin contar que Led Zeppelin reinventa completamente esos estándares de blues dándole un dramatismo y una intensidad que todavía no esuché en ningún original. Lo del misticismo y la magia negra es algo que siempre pude tolerar abiertamente. No me molesta. No me hace daño. No me quita el sueño. Digo; tienen todo el derecho a entusiasmarse con las tópicas que se les antojen y si quieren transmitirla en su música está bien por mí mientras ésta sea buena. Y en ocasiones lo es: a veces las atmósferas son tan buenas que de veras me siento sumergido en sus delirios míticos sin sentir aversión ni vergüenza. Y con respecto al tema de las canciones, las letras y las melodías... Sí: de ninguna puedo decir que Page y Plant eran grandes compositores de canciones, pero creo que en el caso de Led Zeppelin este tema es menos importante. La música de Led Zeppelin se vale muy bien de la energía, las atmósferas y los riffs demoledores: no necesita además que cada canción sea una "valiosa pieza e inmaculado ejemplo de composición musical". De hecho: muchos de los éxitos del grupo, como Whole Lotta Love, son compositivamente muy precarias (un riff, un jam y Plant improvisando rústicas letras sobre sexo o, en todo caso, magos y brujas) y aún así pueden perfectamente considerarse "temazos". O sea: si, que hay defectos... pero compensados por la potencia y el virtuosismo de quienes tocan.

Led Zeppelin apareció resurgiendo como un Ave Fénix de las cenizas de los Yardbirds, ese raro grupo que supo tener en sus filas a gente como Clapton, Jeff Beck y Jimmy Page. Aparecieron en el 69 con un álbum totalmente revolucionario donde básicamente reinventaron la forma de tocar blues. Riffs desencajantes nunca antes escuchados e improvisaciones delirantes con distorsiones infernales y un Plant en el tope de su juego auguriaban que algo empezaba a cambiar en la forma de encarar la música. Para muchos, en efecto, este debut de Led Zeppelin constituye el principio del paradigma musical que caracterizaría los 70, pero de eso hablaremos más adelante. El segundo álbum llevó la misma fórmula aún más al extremo, rockeando hasta el límite (aún lo considero el álbum de rock clásico más heavy de todos los tiempos) y mezclando patrones de blues con algunos de los riffs más maravillosos jamás creados. En Led Zeppelin 3 el grupo sorprendió a todos un blend de folk rock acústico muy tranqui que dejó a los fans de los primeros dos álbumes bastante desilusionados y esto conllevó a un relativo fracaso comercial. Para de alguna manera arreglar el error Page y compañía entregaron lo que sería su último gran álbum: Led Zeppelin IV, que muchos consideran como la principal plantilla para el nacimiento del heavy metal. Para estas alturas el blues ya había pasado a un segundo plano y empezaban a aflorar las infaustas historias de hobbits, hadas y dragones mezcladas con riffs ultra-ampulosos que, más que ser digeridos por el oyente, digerían al oyente. Hasta aquí Led Zeppelin había creado un mito enorme y una leyenda que nunca se borraría. Un status un tanto exagerado a juzgar exclusivamente por la fortaleza del material, pero completamente justificado teniendo en cuenta que estos tipos estaban virtualmente reinventando el rock. En definitiva, son estos primeros cuatro álbumes los verdaderos puntos altos del grupo, todos dignos de un nueve, al punto que todavía no puedo decidir cuál de ellos sobresale por sobre el resto

Houses Of The Holy fue el siguiente álbum, una serie de experimentos con géneros inusitados relativamente exitosa. Siguió Physical Graffiti, un tour - de - force de blues, jams y cock rock que ya empezaba a sonar menos fresco y más cercano al heavy metal genérico que nunca. Y después de esto la banda cayó, cayó como una mosca con apenas fuerzas para grabar dos impresentables álbumes de estudio (Presence y In Through The Out Door) que en buena medida arruinaron la reputación del grupo. Después John Bonham falleció producto de los estúpidos excesos que cometen las estrellas del rock (se tomó nosecuantas medidas de vodka y no sobrevivió al experimento) y Page reflotó Coda como el poco estelar testamento musical del grupo. Por suerte, hace poco se publicaron una serie de grabaciones tempranas para la BBC que demuestran nuevamente lo GRANDE, así con mayúsuculas, que era esta banda.

FORMACIÓN

John Paul Jones: Empiezo por Jones (Baldwin es su apellido verdadero) simplemente porque es mi miembro favorito de la banda. Así es, así es... quizá un poco presumido en sus declaraciones poco modestas sobre la grandeza de Led Zeppelin pero un gran músico sin duda. Durante la mayor parte de la decada de los 60 se ganó la vida como sesionista y arreglista. Y la verdad es que llegó a ganar muchísima plata y una reputación estable en el ambiente como uno de los músicos más requeridos por los artistas. Su arreglo pre-zeppelin más famoso está, por supuesto, en las cuerdas exquisitas de She's A Rainbow, el single psicodélico de 1967 de los Rolling Stones. El caso es que llegado el momento de tomar la decisión de unirse a Led Zeppelin, John Paul Jones no tenía ninguna necesidad de arriesgarse en el gran sueño del estrellato debido a su excelente posición profesional. Pero al final se arriesgo. Y qué bueno, porque es un gran bajista.

Uno de los mejores, sin lugar a dudas... y eso que su formación musical empezó con el piano y no con el bajo. Tuvo que cambiar a ese instrumento porque en esa época el piano no era cómodo para su grupo de rock que estaba todo el tiempo viajando. La cuestión es que aprendió bastante bien el muchacho, al punto que sus líneas de bajo están entre las más interesantes e impresionantes de todo el rock, acercándose en talento y técnica a grandes como Entwistle o Squire de los Who y Yes respectivamente. Recuerdo que en todas las canciones de Led Zeppelin, sobre todo en sus primeros discos, son interesantes por sus líneas de bajo... pero sin duda que el punto cúlmine es Led Zeppelin 2, un álbum donde su intrumento está mezclado bien al frente, como para que se luzca Jones, y se luce, creánme. La canción The Lemon Song es una de las interpretaciones de bajo más increíbles y atractivas que pueden escucharse en el rock.

Pero no solo de bajos vivía el hombre. Después de todo no se llega a ser un músico sesionista tan reclamado solo por saber tocar el bajo. El tipo era un músico de ley. Magistral tecladista, idóneo arreglista y fantástico productor, John Paul Jones fue una herramienta fundamental para que Zeppelin sobresaliera notoriamente por sobre las demás bandas de hard rock que aparecieron en la época. Sus toques de distinción con algún piano ocasional, fenomenales solos de órgano y hasta arreglos con mellotrones dieron a Led Zeppelin un sonido mucho más matizado, versátil e interesante. Un maestro.

Jimmy Page: De los muchos guitarristas talentosos que han pululado el rock and roll, Jimmy Page ha sido sin duda uno de los más creativos, básicamente porque fue uno de los pocos que ha logrado hacer sus líneas de guitarra interesantes y cautivadoras nota a nota. Verán: a diferencia de muchos otros guitarristas que en sus respectivos solos de dedican a improvisar una serie de notas al azar preocupados más por demostrar su velocidad, su fluidez o su capacidad de improvisar, que por crear una melodía memorable o truco interesante, Jimmy Page logra con Led Zeppelin que cada solo sea una pequeña canción, con melodías y armonías propias, con coherencia respecto al resto de la canción y todo esto además con extrema fluidez y velocidad y sin dar nunca la sensación de que todo está cuidadosamente creado y planeado de antemano. Los solos memorables en canciones de Zeppelin se cuentan por docenas y cada uno tiene su atractivo específico. El solo melódico y alegre de Celebration Day, el solo vicioso y aplastante de Dazed And Confused, el solo quemante y apasionado de Since I've Been Loving You, el solo vibrante de Stairway To Heaven y el solo frenético y ultra veloz de Heartbreaker son solo algunos de los más memorables. De esta forma, mientras diría que Eric Clapton es mi favorito por los magníficos tonos que logró en Cream, Jimmy Page es mi solista favorito. 

Pero además, y en este campo está sumamente infravalorado, era un maestro absoluto del riff. Junto a Keith Richards, Page ha creado algunos de los riffs más mastodónticos y viciosos del rock. Claro que en muchas ocasiones estos riffs eran "prestados" pero otras veces no y en todo caso, la interpretación es excelente. Riffs como los de Dazed And Confused, Communication Breakdown, How Many More Times, Whole Lotta Love, Heartbreaker, Bring It On Home, Celebration Day, Immigrant Song, Rock And Roll o No Quarter constituyen una enciclopedia del riff casi inagotable. Pero no solo riffs y solos sino también una serie innumerable de truquitos, ideas, tonos y contrastes realmente asombrosos (incluído el famoso recurso de tocar con un arco de violín). Basta escuchar con atención The Song Remains The Same y Achilles Last Stand para descubrir los múltiples matices y niveles de creativdad que alcanzó este tipo. Podemos dudar de sus talentos compositivos, pero como guitarrista está entre los más grandes de todos los tiempos, ahí en lo alto junto a Hendrix, Clapton y Jeff Beck y bastante por encima de los demás guitarristas del heavy metal y hard rock de los 70; quizá solo Ritchie Blackmore logre llegarle hasta las rodillas. Nada más. 

Y la gran ventaja que tiene Page sobre esos montruos es que además de descoserla en la guitarra eléctrica también era un gran intérprete acústico. No un genio ni un virtuoso, pero si un excelente arreglista con gran sentido de la melodía (Las líneas de guitarra de Tangerine son inolvidables y pegan como cualquier riff heavy) y enorme creatividad, también en instrumentos como el mandolin o el theremin. En comparación, Eric Clapton toca bien la acústica pero nunca se aparta de las progresiones y esquemas del blues mientras que Hendrix, Beck y Blackmore apenas han experimentado más allá de la guitarra eléctrica. Si Plant podía entregar los más demoledores riffs y crear los más delicados tonos acústicos. Ningún guitarrista de metal hace eso. Ninguno.

Robert Plant: Y llegamos al miembro más controversial del grupo. Pongamoslo así: su voz es una de las más atípicas y personales de la historia del rock y muchísima gente no puede soportarla. No solo por su registro, sumamente alto, prácticamente como el de una mujer, sino por el uso que le daba: en ocasiones se pasaba más tiempo gritando oooooooohhs, yeeeeeeeeahs, aaahhhhhs y otros grititos molestos, como si le estuvieran metiendo un torniquete en el ano, en vez de cantar. Sip, por momentos puede sonar irritante, sobre todo a partir de Houses Of The Holy y Phisical Graffiti donde, por x motivos, su voz empezó a declinar seriamente a tal punto de que en los tracks nuevos de Graffiti empieza a sonar, por momentos, verdaderamente irritante. 

Pero en los primeros álbumes (especialmente en el debut) su voz estuvo en plena forma y Dios que tenía una voz potente. De hecho, a pesar de todo sigue siendo uno de mis vocalistas favoritos. Me encanta. Puedo pasar por alto tranquilamente sus ululares "molestos" y en muchas ocasiones hasta me gustan. Por ejemplo en How Many More Times donde antes del reprise del riff principal se manda un grito puntiagudo, de altísimo registro o en Immigrant Song, donde se manda dos alaridos banshee escalofriantes ¿No suena eso bien potente? ¿No es acaso una voz admirable? El tipo estaba sentando las bases para el 90% de los cantantes metaleros gritones que siguieron a Led Zeppelin, pero ninguno podía entregar esa furia y esa pasión. Más alla de estos grititos orgásmicos, también me gusta el tono de su voz cuando canta tranquilo y en paz, en bajo registro como en The Rain Song o How Many More Times. Realmente una gran voz, una de las más potentes y personales de todo el rock. Todavía no comprendo como tanta, tanta gente la detesta. No veo razón para que nos guste Mick Jagger susurrando en Goin' Home y al mismo tiempo despreciar a Plant por "irritante". No. Algunas de sus performances vocales, sobre todo a partir de Physical Graffiti SON bastante malas, pero eso ocurrió seguramente por toda la droga y los excesos. Su performance en Led Zeppelin es quizá la performance vocal más impresionante jamás registrada en un álbum de rock. Y lo digo en serio.

John Bonham: Baterista. Y uno muy bueno, si me preguntan a mí. Su estilo: destrozar los tambores más que tocarlos... lo cual le daba a su gran técnica un plus de energía bestial que ayudó en gran medida a moldear el mastodóntico sonido de Led Zeppelin. Quizá esté un poco sobrevalorado: Keith Moon lo precedió en ese estilo salvaje y con una técnica dos veces mayor y más compleja y Ginger Baker o Bill Bruford no tienen nada que envidiarle. En efecto: no es el baterista más tecnicamente dotado, a pesar de lo que digan muchos de sus fans. Pero eso no significa nada. Significa solo que podía hacer un poco menos de cosas que esos grandes que nombré... pero aún así sus performances, en ocasiones, quitan el aliento. Particularmente memorable me parecen sus BESTIALES interpretaciones en How Many More Times (donde ensaya todo tipo de ritmos infartantes) y sobre todo Achilles Last Stand, donde mantiene un ritmo complejo y demoníaco durante más de diez minutos. 

Bonham fue siempre una pieza clave del sonido de Led Zeppelin: su toque de batería arrasador del primer álbum fue una verdadera revolución e hizo grande al sonido de Led Zeppelin. Tan importante fue que su muerte fue la muerte de la banda misma, algo que muy pocas veces ocurre: un grupo no deja de tocar solo porque se muere un baterista... lo reemplazan. Pero Bonham era irremplazable y los demás simplemente dijeron: no va más. Una gran movida: dejaron intacto el nombre de la banda antes de seguir sacando basura como In Through The Out Door y se dedicaron a sus propios proyectos sin utilizar el mítico nombre para robar, algo que hubiera resultado sumamente fácil (aunque Coda puede ser un pequeño robo, como no). The Who debería haber hecho lo mismo cuando murió Moon.

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Led Zeppelin – 1969

9+/10

"Soul of a woman was created below"

1) Good Times Bad Times; 2) Baby I'm Gonna Leave You; 3) You Shook Me; 4) Dazed And Confused; 5) Your Time Is Gonna Come; 6) Black Mountain Side; 7) Communication Breakdown; 8) I Can't Quit You Baby; 9) How Many More Times.

mejor canción: How many more times

Siguiendo con la tradición de Are You Experienced? y The Doors, Led Zeppelin abre su carrera con una revolución total en la forma de hacer rock & roll. Básicamente, es un álbum de blues, pero ciertamente que no se trata de OTRO álbum de blues. Es el blues/rock más pesado, oscuro, bombástico, sexual y deprimente jamás hecho por nadie hasta entonces. Fue un verdadero shock; a comienzos de 1969 el mundo nunca había escuchado nada así y ciertamente, ninguna otra banda jamás lo igualó. Habrá habido mil banditas metal que hicieron más ruido, pero en materia de blues, nada más pesado y pesadillesco Led Zeppelin 1. Sin duda que esta música tiene algún precedente: tanto Are You Experienced? con sus tonos de guitarra psicóticos como el blues/rock de Truth de Jeff Beck o las famosísimas tomas en vivo de Cream sirvieron más o menos como condición de producción antecente... pero en su debut, Page & compañía realmente rompieron todos los moldes habidos y por haber en materia de rock and roll. Así de sencillo. 

¿Pero que es exactamente lo que hace tan especial y revolucionario al sonido de este album? Vamos por partes: en primer lugar la sección rítmica de Led Zeppelin, ya desde un comienzo, se revelaba completamente devastadora y más ajustada que unas calzas. Los tambores de Bonham suenan literalmente como bombas de estruendo explotando dentro de los parlantes y las pulsantes líneas de bajo de Jones barren con su vibración hasta los cimientos del alma. Solamente los Who, con Moon y Entwistle eran superiores en esa época, pero como para entonces Townshend estaba guiando a la banda por caminos mucho menos tempestuosos (Sell Out, Tommy) Jones y Bonham de Zeppelin eran realmente únicos en lo suyo. También está la voz de Robert Plant, sin duda en su absoluto pico de potencia y expresividad y un Jimmy Page que ya demostraba que era un virtuoso de la guitarra. Teniendo en cuenta que los días de Clapton en Cream habían finalizado y Hendrix estaba preparándose para partir, no me cabe duda que a partir de este momento y por un largo tiempo, Page se convirtió en el guitarrista más potente y creativo del rock. Los riffs que se manda en este álbum no se comparan con NADA de lo grabado previamente: nunca antes nadie, ni siquiera Hendrix, se había animado a tocar tan al límite, tan pesado, tan bestialmente como Jimmy aquí. Casi sin darse cuenta, Led Zeppelin sienta las bases para toda la música rock de la década de los 70 con su bombástica, su exageración y su monolítica performance (aunque en mi opinión no empezarían a sonar realmente setentosos hasta Led Zeppelin IV) 

De más está decir que es álbum es magnífico y que roza la excelencia. Su fuerte no está en el lado compositivo o melódico, claro: los mejores temas son adaptaciones, plagios y popurrís de oscuras y viejas tonadas del blues... pero ¡Qué adaptaciones! Podremos acusar a la banda de plagiadores o ladrones, pero al mismo tiempo no podemos negar que con su estilo han reinventado completamente estas canciones. En compensación tenemos brillantes alaridos de Plant (aún completamente disfrutables) riffs y solos a granel que, creánme, dejarán a más de uno en estado de catarsis total y, sobre todo, un aura muy especial, muy única de oscuridad, desesperación urgente e intranquilidad (nada de misticismo barato aún). Para mí la banda sería más rockera aún en su siguiente álbum, pero esta atmósfera nunca sería igualada. Las ventajas que ofrece este volumen por sobre el resto del catálogo de Led Zeppelin son varias. Una es la frescura: la juventud, la lucidez, las prisas por impresionar y conmover se sienten en cada nota... no es lo mismo en los siguientes álbumes donde los tipos cantan medio drogados desde la cima del estrellato, totalmente realizados. Por otra parte tenemos a Plant en inmejorable estado, con una performance que no da lugar a palabras y que amerita su inclusión entre los más grandes vocalistas de todos los tiempos y por último ¡Nada de hobbits, brujas y duendes! ¡Fantástico!

Es una especie de paradoja que el álbum más blusero y ranchero de Zeppelin abra con ¡Un tema pop! Pero así es. Bien: por suerte se trata de un buen tema pop: Good Times Bad Times tiene esa brillante dinámica del Led Zeppelin temprano. El riff introductorio es simplísimo pero sí que propina un buen sobresalto cuando empieza TUM, TUM... Ah! si me habré asustado cuando esas dos notas aparecían de pronto en el silencio clavándose como un cuchillo letal. La melodía es brillante, pegadiza, ajustada (sobre todo en la primera estrofa que nunca vuelve a repetirse), el estribillo es luminoso y los riffs carnosos metidos entre verso y verso realzan esta canción normal a alturas estratosféricas. Pero a partir de aquí las cosas solo se ponen mejor. Babe I'm Gonna Leave You es una obra maestra absoluta donde Page demuestra desde bien temprano su pasión por el folk. La pista acústica es sencillamente celestial, el tono es maravillosamente oscuro y la voz de Plant, susurrante, dramática y completamente desgarradora completa una de las performances vocales más impresionantes JAMÁS GRABADAS. La canción es un poco repetitiva, pero no me aburre porque al mismo tiempo es un escenario dinámico repleto de alternancias melódicas y de tempo: Page crea dos riffs distintos absolutamente monumentales y ¡Acústicos! Esto es virtualmente ¡Heavy metal acústico! y las alternancias ente calma y tormenta funcionan a la perfección, sobre todo en la primera irrupción del riff pesado (que nos hace saltar de la silla más o menos hasta el techo) y en el final sumamente sutil donde Plant canta "I said it's when it's calling me back hoooooooome" mientras Jimmy toca apenas un par de acordes tristísimos. Lágrimas en mis ojos: fantástico. You Shook Me es también un tema especial: no me resulta muy placentero como Plant arrastra torpemente la última palabra de cada verso, pero la interpretación es gigante: un increíble solo de órgano de Jones, otro de armónica, uno de guitarra, un duelo entre la voz de Plant y la guitarra de Jimmy al final (con el eco que precede al sonido creando un perturbador efecto) redondean una performance blusera monolítica, un verdadero bastión en la historia del rock. NADIE toca el blues así.

Y entonces llegamos a una de las cumbres absolutas del álbum. Dazed And Confused es una adaptación de un viejo tema de los Yardbirs que a su vez había sido tomado (robado, afanado, hurtado) de una composición oscura de un tal Jake Holmes. Sea cual sea el origen del tema, en Dazed And Confused la banda lo transforma en una verdadera pesadilla eléctrica, un blues psicodélico monstruoso que pisa como una estampida de mamuts arrastrando al oyente a la completa locura. En serio. Comienza con una línea de bajo lenta y oscurísima adornada con melévolos y amenazantes trucos de guitarra. Todo es lento y subrepticiamente peligroso: entra Plant y ¡Mi Dios que este muchacho podía cantar! esa performance vocal es ¡Asesina! ¡Increíble! ¿Puede un humano efectivamente cantar así? Terriblemente apasionada, inhumanamente potente... el pico total de Bobby. De pronto, tras el primer verso la banda entera se desliza en el riff principal de la canción, una masa lenta de sonido descendente, reptante, sumamente portentosa, psicótica y pesada. Señores estamos ante la canción más heavy de toda la década de los 60. Respeto y contemplación. Pero lo mejor AUN NO HA LLEGADO. Después del segundo verso Page saca de la galera un SEGUNDO RIFF que hace que el anterior suene como una canción de Mary Poppins... ¡Madre mía! ¡¡ESE RIFF!! De nuevo, es sumamente simple pero suena con una potencia tan gloriosa, tan MASTODONTICA que siento que en mi interior todos mis órganos se desencajan y se revuelven de exitación. Tony Iommi de Black Sabbath tuvo la imprudencia de reciclarlo para la canción Paranoid pero aquello es un pálido reflejo. Después de la sección principal la canción entra en una etapa de latencia, donde efectos curiosos de Page salen aquí y allá preparando el terreno para una nueva tormenta de energía. Los tambores de Bonham nos despiertan del sueño y nos meten una patada hacia Marte. De pronto Jimmy mete un solo a velocidades ASTRONÓMICAS donde hasta se escucha que se le resbalan los dedos de lo rápido que toca... todo mientras Bonzo sigue dándole a los tambores como si quisiera destruir el mundo. Y todo esto se resuelve en una repetición del segundo riff aún más bestial, aún más sudorosa. Un temazo... compositivamente es mediocre pero a quién le importan las melodías cuando podemos tener a cuatro tipos tocando así. Demen MAS!

El álbum entra en un respiro con el dueto Your Time Is Gonna Come y Black Mountain Side. La primera es una nueva gema pop de hermosa melodía, atractiva performance de Plant y, sobre todo, una increíble intro de órgano a cargo de Jones. Black Mountain Side es el único instrumental del álbum, una agradable pieza acústica con influencias hindúes (la percusión es hindú) que además demuestra el genio de Page como guitarrista acústico. Luego del merecido descanso: otra orgía de ruido... Communication Breakdown es otro tornado de energía desenfrenada concentrada en dos minutos. Energía es la palabra: la adenalina y energía sexual que descarga esta canción no tiene comparación. Al principio me costó asimilarla por su estilo simplón... de hecho, es lo más aproximado al término "heavy metal" del álbum, pero una vez la escuché a TODO volumen no se dónde y me voló los sesos. El riff punkoide, el ritmo vertiginoso, la pasión de la voz de Plant... todo me sacude como a un pedazo de trapo. Solo puedo comparar esta experiencia con Bitch de los Rolling Stones. Después viene el único tema flojo del álbum, o al menos el que menos me gusta: I Can't Quit You Baby es otro estardar de blues pero mucho menos inspirado que You Shook Me o, en el mejor de los casos, sin nada nuevo que entregar. No me gusta y por su culpa el álbum no alcanza el tan preciado diez. Su lentitud monótona, sumada a la incierta y vaga performance de la guitarra no logran agarrarme como el resto de los temas. 

Todo se compensa en el masivo tour-de-force que cierra el álbum, una última explosión de energía bajo el título de How Many More Times, la mejor canción de Led Zeppelin. How Many More Times es, otra vez, una especie Frankeinstein compuesto por varios retazos de blues tomados de viejos clásicos y composiciones preexistentes como How Many More Years de Howlin' Wolf y The Hunter de Albert King. Es una larga lista: incluso hay un fragmento del Beck's Bolero (aparecido en el álbum Truth de Jeff Beck) que a su vez Page y Beck habían adaptado del Bolero de Ravel. Pero, nuevamente es la energía y la espectacular performance rockera lo que realza este pedestre ensayo blusero hasta alturas memorables. En primer lugar tenemos el riff principal que empieza bastante jazzero, solamente con el bajo de Jones. Después se agrega la guitarra y la batería. Este riff (con Plant cantando arriba otra letra sobre anillos de diamantes) sintetiza todo lo bueno del rock: es simple, pero entrador. Este tipo de música, en el fondo, me pega muchísimo más que cualquier virtuosismo complejo como los de Genesis o Yes, tanto como amo aquella música. Es potencia y adrenalina en estado puro, y de eso se trata el rock. Pero la mejor parte de la canción es la sección media, donde la banda va aumentando la tensión con una serie de solos y trucos atmósfericos para desembocar en la más infecciosa y memorable linea de hard rock de todo el álbum. La parte que Plant canta "Oh Rosie, oh girl" es sencillamente fantástica en su construcción. Primero los acordes violentísimos a los que se le agrega progresivamente un ritmo de batería casi militar y más tarde otro riff de la putamadre inyectando pura potencia y un órgano maléfico que araña como uña de gato. Ah! madrecita que Page podría tocar una sucia y fiera guitarra... Es perfecto... la adrenalina y la tensión exploradas al máximo... el clímax aparece cuando de pronto volvemos al riff original de la canción, alarido de Plant de por medio, pisando como cien dinosaurios y destrozando todo a su paso.

¿Qué más puedo decir de este álbum? Creo que no es el mejor de Led Zeppelin, solo porque el siguiente tiene aún MAS riffs originales, pero el blues y la energía de Zeppelin tienen aún aquí su punto cumbre. Escuchar estas canciones a todo volumen revela la grandeza y la potencia jamás igualada de esta banda (en mi humilde opinión, ni siquiera The Who en Live At Leeds alcanza estos picos de adrenalina) y si no te pasa nada escuchando Dazed And Confused y How Many More Times a todo volumen mi conclusión es que sos un ente insensible, descerebrado y maricón y que vayas a escuchar a Michael Jackson y toda esa mierda y que dejes de joder en esta página OK? No, ahora en serio. Un fantástico álbum.

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*Led Zeppelin II* – 1969

10-/10

"Baby, I'm not foolin'"

1) Whole Lotta Love; 2) What Is And What Should Never Be; 3) The Lemon Song; 4) Thank You; 5) Heartbreaker; 6) Living Loving Maid (She's Just A Woman); 7) Ramble On; 8) Moby Dick; 9) Bring It On Home.

mejor canción: Whole lotta love

Y si alguno pensaba que el debut no podía ser más pesado, bueno... se equivocaba. Led Zeppelin, ese mismo año, volvió a la carga con un álbum aún más pesado y rockero que el anterior, con cantidades aún más increíbles de riffs clásicos y rockers de todos colores pisando como cien huracanes y menos blues y menos concesiones acústicas. Para un amante del pop feliz y tranquilo escucharlo puede ser una pesadilla terrible. Es el álbum más pesado de la historia... bueno, seguramente hubo muchos más pesados que este Led Zeppelin 2, pero sinceramente creo que no ha existido ninguno tan maravillosamente pesado. Es esa música heavy-rock que no suena como una masa insufrible de ruido por el hecho de hacer ruido, sino un heavy-rock clásico, retumbante y repleto de ganchos creativos en todas partes.

Ahora bien, el álbum tiene sus problemas. Fue grabado en plena gira, con la banda alquilando distintos estudios durante unas horas para grabar y producir cada tema a las apuradas. Es por eso que el sonido en este álbum es marcadamente barroso, distorsionado en exceso, sucio y peor que el del álbum anterior... mucha gente tiene problemas con este punto en particular. Por mi parte, sí reconozco ese problema y puedo oír los defectos de producción, pero a decir verdad no me molesta. Verán: en primer lugar, la calidad de los riffs y la potencia desplegada son tales que el detalle del sonido queda en un segundísimo plano... en segundo lugar el problema no es TAN terrible: hay álbumes con peor calidad de sonido que este sin lugar a dudas, como por ejemplo The Who Sell Out. Por otro lado pienso que hasta le queda BIEN un poco de suciedad distorsiva a un álbum tan rockero y pesado como este. Si hubiera logrado la producción cristalina de, por ejemplo, Sticky Fingers (de los Stones, uno de los álbumes mejor producidos de la historia) el aura, la atmósfera del álbum no sería la misma. Eso seguro.

Así mismo, es frecuente que la mayoría de las personas encuentren sumamenente inconsistentes algunas de las canciones, siendo Moby Dick y Thank You los principales ejes de la polémica con Ramble On y The Lemon Song en segundo lugar. Mi opinión en este sentido es que no hay ningún tema malo en este LP... No importa cuántas veces lo escuho, me gustan TODAS las canciones, aún las mencionadas. Ni siquiera encuentro un correlato de I Can't Quit You Baby, el único punto flojito del álbum anterior. Claro, hay canciones que sobresalen sobre otras, pero en realidad todas me resultan satisfactorias y hasta clásicas. No puedo tener reproches para un álbum del que me gustan TODAS las canciones.

Notarán que, después de todo, este álbum recibe un puntito más que I, III y IV ¿Qué hace que sea a mis oídos mejor que cualquier otro álbum de Led Zeppelin? Enumerando. El entusiasmo juvenil tan palpable en el debut, sigue presente; todavía no hay signos claros de cock-rock insufrible, heavy metal genérico o experimentos fallidos. Las canciones constituyen una maravillosa colección de riffs clásicos y tremendos grooves de hard rock blusero inigualados en ninguno de sus siguientes LP y los rockers son más focalizados y compactos que en el álbum debut, sin tantas épicas psicóticas y climáticas como Dazed & Confused o How Many More Times (No es que eso era una mala cosa, conste). La voz de Plant y la guitarra de Page siguen en excelente forma. Lo único que realmente que lo hace despuntar un poco sobre el fenomenal debut es que, como he dicho, no hay un punto realemente soso como I Can't Quit You Baby. En el lado negativo, puede ser que canse un poco: después de todo no es fácil digerir una seguidilla de nueve temas bien heavy que además, por las condiciones de grabación, suenan bastante similares en tono e intensidad. Aún así, cualquiera de estos rockers se me antojan cien veces más frescos y dinámicos que cualquier cosa de Physical Graffiti o Presence y cuentan con suficientes recursos y ganchos como para hacer memorable cada una de ellas.

Párrafo aparte merece la performance de John Paul Jones. Ya había tenido una actuación destacada en el álbum anterior y seguiría por el buen camino en los siguientes, pero o que hace acá con el bajo sencillamente no tiene nombre. Las líneas que tira en The Lemon Song, Ramble On o What Is And What Should Never Be son decididamente insuperables. En general el bajo es un instrumento de fondo al que nadie le presta atención, pero en este disco efectivamente se disfrutan las líneas de bajo como si fueran un solo de guitarra o teclado. Y como tengo bastante debilidad por el bajo bien usado, he aquí otra razón para que este sea mi álbum favorito de la banda. Pasemos a las canciones.

Abrimos con lo que quizá sea el clásico más grande de la historia de la banda (después de Stairway To Heaven). Whole Lotta Love es un tema muy, muy simple que no debe haber costado nada componer... pero ¡Ay mi madre cómo pega! El riff de cinco notas sobre el que se sostiene la canción entera, creación legítima de Jimmy, es de lo más elemental que inventara la banda... y aún así es de esas cosas absolutamente geniales en su simplicidad. La forma en que abre con ese tono de guitarra sucio y ese bajo pesadísimo merece todos los lauros. Me acuerdo el día que traje este álbum a casa y mi familia quiso escucharlo... la cara de horror de mi mamá y la cara de intimidación de mi papá al escuchar los primeros segundos de esta canción y cómo de pronto la batería entraba como un rugido para un hard rock increíble y atronador. No soy un fanático de la sección "orgásmica" repleta de gemidos y efectos desagradables, pero tampoco me molesta y además viene muy bien porque la vuelta que hace la banda al tema principal, con un solo de Jimmy y la tremenda batería de Bonzo, es completamente depredadora. Es un temazo, fácil... el mejor del álbum. No por sus ganchos, sino por el sexo, la adrnalina y la fuerza que despliega en sus cinco minutos de duración... Realmente no existe banda además de Led Zeppelin capaz de transmitir esta sensación tan poderosa. Hubo un problema con la canción porque al parecer la letra, un verdadero "poema" casi obsceno de lo sexual que es, estaba robada de un tema de Willie Dixon... una lástima... pero a decir verdad ésta era la única letra posible para Whole Lotta Love, así que supongo que no había otro remedio que robarla. 

Después de este inicio no podemos esperar algo mejor, pero la mayoría de los temas que siguen son excelentes. Uno de ellos es el clásico What Is And What Should Never Be, una de mis absolutas favoritas de toda la carrera de Zepp. Es una balada que despliega incontables matices: un maravilloso verso jazzero, un estribillo pulsante y urgente que explota de golpe, un brillante solo de guitarra bien tranqui y una coda bien heavy con Page entregando otro de sus grandes riffs. The Lemon Song no es peor. Se trata de un extendido número de blues semi-psicodélico cargado de referencias a viejos clásicos (Killing Floor el más obvio de ellos) con un riff totalmente fantástico y sucio, un Plant aullando a todo trapo cientos de incoherencias (de aquí sale su infame frase "Squeeze my lemon till de juice runs down my leg" que no es suya sino de Dixon y su Travelling Riverside Blues) y varias alternancias entre lento / rápido. La canción podría pasar como un numerito de blues más de no ser por las INCREIBLES, IMPOSIBLES líneas de bajo que se le ocurrieron a Jones: toda la canción es una proeza del bajo, pero yo me concentraría más bien en el jam tranquilo que empieza al completarse los tres minutos de la canción... con esas notas fantásticas, bien notables y con cierto estilo ¡funky! no hay nada más que pedirle a esta canción. Después llega la balada más suave del álbum bajo el título de Thank You. Muchos han señalado su disgusto por este tema pero no veo bien las razones. Bien; quizá la melodía de los versos ("If the sun refused to shine / I'd still be loving you)  suene excesivamente torpe y exagerada de la forma en que la canta Plant, así como el coro "Little drops of rain..." cantado a duo por Plant y Page puede resultar un poco desafinado, pero el riff de órgano y guitarra acústica es hermoso y la melodía principal del estribillo ("Inspiration's what you are to me") tambien lo es. Por lo tanto el tema me gusta... quizá sea el más flojo del álbum, pero ¿Malo? NO, bueno. 

Pero nunca tan bueno como el superclásico absoluto Heartbreaker, el segundo mejor tema de esta colección con uno de mis riffs de guitarra / bajo favoritos de todos los tiempos. De hecho, pocos riffs me han pegado tan fuerte como este, nunca he podido sacármelo de la cabeza. La primera vez que lo escuché dije "Así es como tiene que sonar el rock, ni más ni menos". La canción podría ser considerada un pedestre blues sin pena ni gloria de no ser por ese riff, la exorbitante interpretación vocal de Plant (que aquí no suena agudo como una señorita, sino bien fiero y macho) y uno de los solos de guitarra más veloces de todos los tiempos. Es un solo en el sentido literal de la palabra, ya que fue grabado por separado e insertado en la canción sin que suene ningún intrumento: está construido con mucha inteligencia ya que es uno de los pocos solos veloces que conozco que son interesantes de escuchar más allá de la super velocidad. Luego, la canción vuelve a todo trapo al tema principal antes del rocker Living Loving Maid (She's Just A Woman), con otro riff de doce notas descomunal y una elocuente muestra de como un tema puede sonar heavy y poppy al mismo tiempo. Fantástica y pegadiza melodía; fuerte y entrador riff. Ramble On quizá no sea tan inmediatamente atractiva debido a que NO tiene un riff obvio. Es más bien una balada en la vena de What Is And What Should Never Be y su letra muestra la primera aparición de las obsesiones místicas de la mano de Plant. Quizá por este motivo muchos oyentes la hayan criticado como algo olvidable. Para mi gusto, la canción es una completa maravilla. Tiene una formiable guitarra acústica como base; una eléctrica haciendo truquitos deliciosos de todo tipo, asombrosas líneas de bajo de Jones, una melodía competente, un estribillo bien heavy que nos hace saltar de la silla, un par de solos de guitarra económicos pero melódicos y como si esto fuera poco, la atmósfera de la canción (¿Será por la letra, con menciones a Gollum y Mordor incluidas?) tiene algo de mística que, efectivamente, logra fascinarme como un plus sobre el cual no puedo poner mis manos, pero que está ahí. 

Y llegamos a la canción más polémica de Led Zeppelin. Moby Dick y su infausto solo de batería. Por regla, los oyentes no-fans la odian y la consideran el punto absolutamente bajo del álbum argumentando que el solo es estúpido, aburrido, autoindulgente, largo y que no agrega nada al solo que Ginger Baker había hecho con Cream en Toad. Alcanzo a enterder la causa de estas quejas, pero personalmente yo no tengo ningún problema con la canción ni con el solo. Verán: el riff es nuevamente excelente (aún siendo un ROBO desvergonzado del de Watch Your Step del blusero Bobby Parker) y el solo no me resulta ni tan largo ni tan aburrido. No me vuelve loco, claro... pero no es del todo vacío, Bonzo hace algunas cosas interesantes y además es bastante corto ¡Vamos! ¿Quién puede molestarse en serio por un solo de solo tres minutos?. A pesar de que me hubiera gustado que la banda hiciera una canción clásica con semejante pedazo de riff, creo que Moby Dick es una de las atracciones del álbum. Pasado esta pequeña viñeta llegamos al cierre con Bring It On Home. Quizá sea un pálido final en comparación a How Many More Times del álbum anterior y aún así rockea grandes porciones de mi alma. Comienza como una parodia de blues del delta (Donde Plant canta con una papa o algo en la boca) para derivar en una fantástica transición en un último y poderoso hard-rocker con un riff ultra vicioso que me pone fuera de mí. A mis oídos, otro clásico.

Sí señores. Mucho se ha escrito sobre este álbum y muchas críticas se han leído sobre su horrible producción, lo genérico de sus rockers y lo inconsistente de su nivel compositivo. Puede estar sobrevalorado, pero en mi opinión semejante colección de clásicos del blues/rock no se desedeñan así nomás. Clásico: el mejor momento de Led Zeppelin.

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Led Zeppelin III – 1970

9-/10

"The price you pay to nowhere has increased a dollar more"

1) Immigrant Song; 2) Friends; 3) Celebration Day; 4) Since I've Been Loving You; 5) Out On The Tiles; 6) Gallows Pole; 7) Tangerine; 8) That's The Way; 9) Bron-y-aur Stomp; 10) Hats Off To (Roy) Harper.

mejor canción: Since I've been loving you

Cuando puse este CD por primera vez me ocurrió exactamente lo que a todos en 1970. Iba pasando tema por tema mientras me preguntaba "¿Dónde C... están los rockers?", "¿Qué M... son estas cositas acústicas?"... etcétera. Es que yo, tonto de mí, esperaba una réplica exacta de Led Zeppelin 2, el album por el cual conocí al grupo y acá me encontraba con todas esas intros acústicas blanditas y parecidas que no eran lo que yo esperaba. "Aburrido, aburrido, aburrido" pensé y haciéndole caso ciegamente a la inmediatez de mis sensaciones, al día siguiente ¡Devolví el compact! Y lo cambié por Led Zeppelin 1 que me gustó mucho más de entrada. 

Nadie me lo había explicado; el asunto es que para este álbum Page ya había tenido bastante con el rock descerabrado y visceral de los dos álbumes anteriores y ahora quería demostrarle al mundo que además de hacer ruido con riffs de dos notas, su banda también podía producir proyectos más serios, experimentales y "artísticos". Que además de tocar alto y eléctrico, su banda también podía tocar acústico y relajado. Entonces se exiliaron en plena campiña galesa y en ese ambiente idílico grabaron este LP inesperadamente repleto de canciones acústicas, viñetas de folk-rock, baladas relajadas y ejercicios experimentales. La movida les costó caro: los fans que se habían fascinado comprensiblemente con el material anterior reprocharon la falta de garra y potencia mientras que la crítica especializada no dudó en calificar toda esta experimentación como un fracaso artístico. Hoy en día, sin embargo, son muchos los fans que reivindican a Led Zeppelin 3 no solo como un gran álbum sino como el mejor de todos. En mi caso, luego de unos días me arrepentí de mi error impulsivo y mentalmente estrecho y volví a comprarlo. Entonces sí; de a poco empecé a entenderlo. No me pegó con la contundencia de Led Zeppelin 1 o 2, pero con algo de tiempo logré descubir el increíble encanto subrepticio de estas canciones, hasta el punto que hoy en día es mi segundo o tercer álbum favorito del grupo (todavía no puedo decidirme entre éste y Led Zeppelin 1) y amo cada una de estas joyitas acústicas.

No todo es acústico y bucólico tampoco. HAY algunos rockers en Led Zeppelin 3. La dificultad está en que son raros, experimentales, menos directos y mucho más complejos que antes y por eso tardan más en engancharse que, por ejemplo, Whole Lotta Love o Heartbreaker. De hecho, casi toda la primera mitad es bastante heavy. Luego de que se les tomó el gustito, canciones rockeras no ortodoxas como Celebration Day, Out On The Tiles e Immigrant Song se revelan tan excitantes y atractivas como los clásicos del álbum anterior. Y con respecto a la parte acústica que domina la "cara B"... me encanta, me encanta, me encanta. Pero las aguas están divididas. Muchos críticos y oyentes han dicho que son poco mas que impresiones acústicas de escasa inventiva y nula competencia compositiva, que todo es experimentación pretenciosa y fallida, que Jimmy Page no tenía verdadero talento para la guitarra acústica bla, bla, bla. Pues bien: ¡Todos esos críticos son bastante imbéciles! Jajajaj, no pensaron que podía llegar a ser tan autoritario ¿Verdad? No, ahora en serio: cada uno tiene sus gustos pero yo no comparto ninguna de esas aseveraciones. Led Zeppelin 3 me parece un disco repleto de creatividad, brillantes ideas, atmósferas bucólicas increbíles, performances profesionales y algunas de los experimentos más placenteros y fascinantes que jamás haya llevado a cabo la banda. Es muy cierto que ninguna de las canciones, compositivamente hablando, se quedará en nuestra mente como una absoluta obra maestra y salvo excepciones ninguna tiene el aura de "clásico absoluto" alrededor, pero en este caso los trucos y ambientes que tiene cada tema son suficientes para hacer el álbum enteramente disfrutable. Yo siempre comparo este álbum con Beggars Banquet, un disco mucho más respetado (y sobrevaluado) donde también abundan las pequeñas tonadas acústicas, solo que siento que en Led Zeppelin 3 estas son significativamente más creativas, más entretenidas y menos genéricas. Es que según mi gusto, Jimmy Page es bastante bueno con la guitarra acústica y en este álbum entrega lindas melodías, fascinantes atmósferas y ganchos inventivos por doquier... a mí me gusta. Si a otros les aburre, pues no es mi problema: traten de escuchar mejor (¡Autoritario de nuevo! Basta!) Si la música acústica nos gusta (si me gustará a mí) no hay un motivo real para que nos disguste este trabajo´, ni siquiera la voz de Robert.

Empecemos entonces con los "heavy rockers" de la primera parte. La obertura Immigrant Song es una de mis favoritas. El riff es extremadamente simple y ya empieza a sonar a heavy metal antes que a blues/rock, lo cual podría ser un pésimo augurio de no ser por que todavía estamos hablando de Led Zeppelin, y por alguna razón este mini-metal de poco más de dos minutos logra transmitir un sinfín de sensaciones épicas (Créase o no, una canción épica de dos minutos) Ese riff, tan estúpido, insistente y hueco como parece, termina siendo más pegadizo que mil melodías juntas. Y ni hablar de los famosos alaridos "banshee" (una especie de grito galés o algo así) de Robert Plant, con ese tono de voz tan fantástico y que tanta gente no puede soportar... a mí sin embargo... ¡Waw! AaAAAAAAAAAAAAA! Son absolutamente hipnóticos... y la melodía principal podrá sonar arrastrada y perezosa pero luego de unas escuchas descubrí que, en efecto PEGADIZA! "Hammer of the gods / Will drive our ships to new lands" JA!, puedo cantar esos versos infinitamente. Pero mi parte vocal favorita es sin duda el fantástico, fantástico estribillo que suena a la vez tan pegadizo como amenazante y oscuro. Immigrant Song es una pequeña perfecta joya, con tantas cosas dichas en solo dos minutos y con tan poco que solo se me ocurre que ALGO de genio loco había en este grupo de rock. ¿Me preguntan si me molesta la letra, que ya empieza a sonar a delirio mitológico? Me importa un cuerno y no entiendo cómo hay gente que le pueda molestar.

Otro rocker de la cara A es el gran Celebration Day, con un riff tan imaginativo, complejo, atípico y distorsionado que cuesta un poco acostumbrarse... pero cuando te acostumbrás ¡BANG! Te pega sin piedad. La canción toda suena como desencajada y sucia debido a que el riff continúa con sus cabriolas complejas aún cuando empieza la pista vocal, pero aún así es excelente y difícilmente puedas olvidar la melodía del estribillo. Ninguna banda podría haber hecho un rocker así de difícil si no lo hacía Led Zeppelin. Así mismo, el solo de guitarra de Celebration Day es la epítome de los talentos de Jimmy: un solo que es efectivamente interesante de escuchar por su magnífica cadencia melódica y desbordante energía. Es una parte orgánica e irremplazable de la canción, a diferencia de la gran mayoría de los solos tradicionales donde son solo notas y notas que podrían reemplazarse sin que nadie note la diferencia. Finalmente tenemos Out On The Tiles, una pieza de boogie que en sí es bastante genérica pero que es realzada al status de semiclásico debido a la calidad extraordinaria de los intérpretes. Empieza con un riff descendente simplísimo pero apenas Plant empieza a cantar la guitarra y la sección rítmica comienzan a hacer malabares y cabriolas imposibles de describir que realmente valen la pena escuchar. 

Para completar la primera cara tenemos Friends, un experimento repleto de disonancias y atmósferas raras completamente único. La performance vocal de Plant, por sí sola, sería completamente irritante (cero melodía) de no ser porque se mimetiza completamente con el trasfondo: un riff acústico completamente brillante y un arreglo de cuerdas (Jones, quién si no) portentoso que le da a la canción un aire hindú, épico y oscuro. ¿Mi juicio? Es un genuino experimento que a su vez suena fascinante e interesante. Por último tenemos el clásico absoluto del álbum: un número blues improvisado en vivo en una sola toma y sin doblados llamado Since I've Been Loving You. Además de aportar un arreglo blusero que se sale bastante de la norma, aparece aquí uno de los solos de guitarra más fascinantes de Jimmy: en este caso no hay tanta melodía, pero sí con enorme fuego, pasión, agarre y cien notas por segundo. El tema en su conjunto va creciendo en intensidad, viajando desde una suave introducción, donde podemos escuchar que uno de pedales de John Bonham necesitaba lubricación, hasta una catarsis gigantesca repleta de feroz guitarra eléctrica, un órgano de Jones en plena ebullición y un Plant gritándose la vida como si fuera a morirse. La sección vocal que viene inmediatamente después del solo ("Do you remember mama when I knoked upon your door...") y que conduce la canción hacia su clímax tiene una intensidad brutal sin paralelo en la historia del blues. ¿Plagios? Si, la letra está tomada de un oscuro blues de Moby Grape, Never, pero ¿A quién le importan las letras? Después de todo Never es una cosa plana espantosamente aburrida, mientras que Since I've Been Loving You es un clásico absoluto rebosante de pasión, oscuridad y desesperación.

La segunda cara, sin embargo, es la parte que hace único a Led Zeppelin 3 gracias a sus maravillosos ambientes bucólicos y melodías hipnóticas. Garantizado: no hay nada de rock en toda la segunda mitad del álbum. Salvo quizá Hats Off To (Roy) Harper cada una de estas cinco canciones son una maravilla. Empezando por la experimental Gallows Pole, una pequeña épica con letras sobre ahoracados y verdugos que remiten a los tiempos medievales y un desarrollo fantástico entre la misteriosa intro acústica y el freak-out del final donde la banda tira la casa abajo con una guitarra acústica, un banjo, un solo de eléctrica y un ritmo inacabable. Las líneas de banjo son especialmente memorables y la atmósfera general de la canción transmite en efecto esa sensación de medioevo, de magia y de oscuridad. Maravilloso. Tangerine es una balada que Page compuso él solito en sus días de los Yardbirds. No está nada mal, y de hecho es una de las mejores baladas de toda la carrera de Led Zeppelin. La guitarra acústica aquí es simplemente hermosa y clásica, al igual que la melodía principal cantada por Robert (aunque desafina un poco en los coros). Me gusta también el solo de guitarra eléctrica que cierra la canción. That's The Way es una de las canciones más calmas y suaves de todo el repertorio de Led Zeppelin. La guitarra esta vez solo hace acordes raros y Plant canta una melodía linda pero no demasiado rica en ganchos. Pero ¡Qué atmósfera! Las imágenes se me dibujan solas en mi cabeza cuando escucho la deliciosa sucesión de acordes y la melancolía completa que logra la banda. Es algo mágico, intangible: no puedo nombrar qué hace tan increíble este tema.

Bron-Y-Aur Stomp es una buena viñeta folk (al parecer dedicada al perro de Plant) donde Jimmy nuevamente se vuelve loco con la acústica tirando las líneas más difíciles de todo el álbum y el amo del perro nos deleita con una melodía alegre y luminosa. Lo único más o menos fallido que hay en el álbum es el cierre con Hats Off To (Roy) Harper, que vendría a traducirse algo así como "Quítense el sombrero ante (Roy) Harper". En principio nunca entendí qué cuernos hace Roy Harper (un cantante folk relativamente conocido, más que nada por haber cantado Have A Cigar de Pink Floyd) mencionado en el título. Pero en lo que a la canción respecta... es MUY RARA, demasiado. Con un tono de voz que parece como si Plant cantara sepultado bajo tierra y unos trucos con la guitarra acústicos bastante molestos. Siento más confusión que disgusto cuando la escucho, pero aún así podrían haber tenido un cierre mucho más estelar con Poor Tom, una nueva cosita folk que finalmente vio la luz en Coda o, mejor, Hey Hey What Can I Do, el lado B del single de Immigrant Song que por alguna razón nunca entró en ningún LP, una canción original con buenas melodías y muy en la vena del resto del álbum. Podría haber sido un disco aún mejor de lo que es.

Pues bien. A quien quiera a Led Zeppelin por su hardrock y su blues demoledor no le recomiendo para nada este álbum. Led Zeppelin 3 es más bien para fans hardcore... pero a quien no le moleste un poco de folk y experimentación acústica... pues a ese sí. A mí, ya lo dije, me encanta y me encantaría que le encante a otros también.

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Led Zeppelin IV – 1971

9-/10

"It's been a long time since I rock and rolled"

1) Black Dog; 2) Rock And Roll; 3) The Battle Of Evermore; 4) Stairway To Heaven; 5) Misty Mountain Hop; 6) Four Sticks; 7) Going To California; 8) When The Levee Breaks.

mejor canción: Stairway to heaven (sí, creánme)

Hablando de vacas sagradas, llegamos al cuarto álbum. Como los miembros de Led Zeppelin estaban agotados y exhaustos de pensar los nombres de los tres álbumes anteriores (y los comprendo perfectamente), ésta vez decidieron no ponerle título alguno. Es un álbum sin título oficial, y en el vinilo original ni siquiera aparecía el nombre de la banda; tan solo cuatro símbolos ignotos que representaban cada uno a cada miembro. Ohhh! muy misterioso... Ahora, todo este circo tuvo bastante éxito y con el tiempo, este álbum, llamado comunmente Led Zeppelin IV o Zoso, se convirtió por consenso general en el más grande de Led Zeppelin. Lo que tenemos que determinar ahora es si la música en sí sobrevive al mito. La respuesta es un SÍ rotundo. Más allá de todas sus vicisitudes y todas las críticas que podamos hacerle se trata de un álbum monolítico, fundacional, un verdadero mojón dentro de la historia del rock y el álbum quintaesencial, el definitivo, de Led Zeppelin.

Luego del blues del álbum debut, el hard rock de Led Zeppelin 2, y el folk rock de Led Zeppelin 3, el grupo hace de este LP una suerte de síntesis de los álbumes anteriores, retomando a la vez la garra rockera perdida en III, inclinándose hacia terrenos más épicos, bombásticos y místicos, y endureciendo su sonido hasta alturas nunca antes alcanzadas. El resultado es ciertamente arrollador: quizá Led Zeppelin 1 y 2 sigan siendo álbumes más genuinamente rockeros, pero IV es por lejos mucho más heavy, agobiante y barroco. A mi juicio este es el álbum (junto a Who's Next) que realmente establece en toda su plenitud el espíritu del rock de los 70: sobreproducción, pasión por lo místico, tendencia a lo bombástico y excesivo y a los "power-chords". También es el primer álbum de Led Zeppelin que podría efectivamente ser considerado como "heavy-metal", ya que el hard rock sesentoso influenciado fuertemente por el blues que caracterizó su álbumes de los 60 ha sido elminado de un plumazo en favor de rocks mastodónticos y épicos que poco tienen que ver con el blues. In Rock de Deep Purple, salido un año antes, es quizá el primer álbum de metal genuino; Led Zeppelin IV sin embargo agrega al legado un elemento tan definitorio como nefasto: lo pretencioso de sus ínfulas proféticas, mágicas y místicas, así como un aura de "arte en serio" bastante presuntuosa. Esto sería una masiva (y pésima) influencia en miles de banditas metal posteriores, sin embargo Led Zeppelin es una banda demasiado talentosa e imaginativa como para que este tipo de cosas arruinen su música. De hecho, las atmósferas de este álbum son tan geniales que a veces esa mística barata logra fascinarme y despertar mi imaginación. Tonto de mí.

Mis sentimientos personales sobre el álbum son contradictorios. En principio pensé en darle a éste el título de mejor álbum de Led Zeppelin, simplemente porque tema por tema es de los más fuertes: quizá un par de ellos puedan considerarse relleno, pero sinceramente no admito que haya aquí una canción mediocre y no veo ningún traspie evidente del tipo de I Can't Quit You Baby, Moby Dick o Hats Off To Roy Harper que lastraban los tres álbumes previos. Aparte, como dije anteriormente, los delirios místicos no me causan mayor incomodidad. Sin embargo, escuchándolos todos de nuevo llegué a la conclusión de que de los cuatro primeros éste es el que menos me atrae y que no me hubiera sentido cómodo poniéndole la nota más alta. ¿Por qué? Muy sencillo: en general, la banda no me suena ni tan fresca, ni tan espontánea, ni tan ajustada como en los álbumes anteriores. La bombástica indisimulada de este LP, sin resultarme indigesta, ocasionalmente me cansa y a pesar de la inspiración innegable que subyace en estas canciones, siempre preferiré la atmósfera más fresca, juvenil y blusera de sus primeros dos álbumes (o los aires bucólicos del tercero) a la vena seria y sobreproducida de "art-metal" que transmite este. Simplemente eso. Más allá de dicho problemita el álbum sigue siendo casi una obra maestra que no para de patear una buena cantidad de culos con su certera potencia y que merece el nueve incondicional. Depués de todo éste es el que tiene Stairway To Heaven ¿No?

Pero empecemos por el principio. Black Dog es un contundente cock-rock que abre el álbum con un buen "punch" de energía como para disipar las dudas que había sembrado el LP anterior sobre si la banda se había olvidado o no de rockear. Es un mounstruo de canción, aunque su impacto no me duró lo suficiente como para ser de mis favoritas. Al principio es simplemente imponente, con un reconocido riff-mamut (cortesía de John Paul Jones) que me vuela los sesos y una distinguida y clásica melodía vocal. Pero qué pasa: no tiene mucho más que eso y se extiende por más de cinco minutos repitiendo una y otra vez las mismas líneas (sin contar que la voz de Bobby empieza a sonar un poco más "finita") y el mismo riff hasta que deja de sonar interesante. Además, la estructura de stop & go permantente le quita bastante fluidez: no es una mala idea y ya había funcionado en temas como Young Man Blues de los Who y Oh Well de Fleetwood Mac, pero acá las interrupciones parecen demasiadas y la canción no se escucha como una unidad armónica sino como una serie de baches que molestan ligeramente al oído; al menos esa es mi impresión. Igual es un gran tema que rockea setenta veces más que otras bandas pretendidamente heavy y una buena opción para abrir el álbum en buena forma. 

La notálgica Rock And Roll, sin embargo, es considerablemete mejor. Haciéndole honor su metadiscursivo título, el tema es una especie de boogie-rock de los cincuenta, muy simple en su constitución, solo que extrapolado a los límites más insanos de violencia y potencia: si después de Led Zeppelin 3 te habían quedado ganas de que la banda te clavara las garras en la garganta y te revoleara por los aires, esta es la canción que estabas esperando; la potencia, el sudor, la sangre, la adrenalina se sienten a flor de piel mientras Page tira los acordes mas viciosos en mucho tiempo, Plant canta "It's been a lonely, lonely, lonely time" y toda la banda se deja llevar como en trance por la demoníaca cadencia del ritmo. Un tema ideal para una fiesta: ponelo a alto volumen y si alguno no baila es porque está muerto. The Battle Of Evermore, el tema que sigue, es una balada acústica al estilo de Led Zeppelin 3, solo que esta vez está recargada de referencias místicas y épicas. Dragones, princesas, duendes, caballeros y todo ese tipo de criaturas mágicas infectan la letra. Muchos la odian por esta razón, pero si logramos olvidarnos (como yo) de este pequeño detalle no tenemos otra opción que aplaudir la majestuosa e hipnótica rendición que la banda hace de la canción. Pongámoslo así: Led Zeppelin consuma un potencial bochorno infantil como una brillante épica medieval, logrando un efecto tan dramático e intenso que mi imaginación se puebla de batallas, castillos y seres alados ¡Sin que me den ganas de vomitar! Todo funciona y se articula de maravilla: la mandolina (¿O es un dulcimer?) que toca Page, la dramática pista acústica, las escalofriantes vocales de Sanny Denny, el extático estribillo ("I hear, horses' thunder / Down in the valley below") y la extensa coda donde Plant pone a prueba nuestros nervios con una serie de ahhhs y ohhhs que milagrosamente se articulan bien, produciendo un gran efecto de oscuridad y magia. Puedo entender a todos aquellos que odian la canción, pero entiendo mucho más a quienes les sí les gusta, como a mí.

Y me obligo a poner párrafo aparte para el highlight definitivo. No importa lo consistente que sea Led Zeppelin IV, el clásico de clásicos Stairway To Heaven está muy por encima de cualquier otra cosa del álbum. Se trata de la primera gran épica de Led Zeppelin y una de sus pocas que a su vez consituyen una auténtica proeza de la composición musical. A pesar de todo su prestigio, la canción está lejos de tener un consenso definitivo: críticas que la acusan de "sobrevalorada", "demasiado larga" y "sobremediatizada" le han llovido desde todas las direcciones. Pero es un tema tan desmedidamente sagrado, y tan condenadamente bueno, que sobrevive a las críticas más despiadadas y la mayoría termina admitiendo que se trata de la mejor pieza de este álbum. ¿Sobrevalorada? Seguro, su status es tan legendario y mítico que sobrepasa el valor intrínsecamente musical de la canción, que ya es bastante grande. ¿Demasiado larga? NO, podría durar ocho minutos más que no me importaría. ¿Sobremediatizada? Definitivamente: si tienen que escoger una canción de Led Zeppelin para pasar por la radio hay un 90% de probabilidades que elijan ésta (estúpidos, estúpidos programadores) pero como NUNCA uso la radio, la primera vez que escuché el tema fue cuando compré este álbum. ¿La mejor canción de Led Zeppelin? Tendré que decir que sí. No puedo ser original ni transgresor en este sentido. ¿Pero qué tiene de genial este tema? ¿Por qué es TAN bueno? Te lo voy a decir: es una progresión sencillamente perfecta que parte de unos sutiles acordes acústicos con flauta, sigue con una serie de versos que, teclados, guitarras y percusión mediante, van creciendo en intensidad y dramatismo para explotar en un orgasmo total con EL MEJOR SOLO DE GUITARRA DE LA HISTORIA DEL ROCK. Un solo tan melódico, potente, sinfónico y majestuoso que casi dan ganas de llorar cuando lo escucho. La melodía del tema es hermosa (si bien no particularmente memorable), la letra pseudo-profética es tolerable, los pasajes instrumentales inspiran cosas y lo único que podemos reprocharle es que la distintiva melodía de guitarra inicial es demasiado similar al instrumental Taurus del grupo Spirit. Por lo demás ES una obra cumbre del art-rock y uno de los himos históricos del género, con un lugar reservado ahí junto a Hey Jude, Boehmian Rhapsody y Won't Get Fooled Again.

Después de semejante tour-de-force solo podemos ir hacia abajo y los dos temas siguientes Misty Mountain Hop y Four Sticks son los más defenestrados por la crítica general. Misty Mountain Hop es una sátira hippy en forma de metal-boogie que incluye un riff torpe junto con una de las melodías vocales más retorcidas, extravagantes y abrasivas jamás creadas y una voz de Plant particularmente aguda. Comprendo que algunos oídos no la toleren, sin embargo en mis oídos suena como una entretenida y curiosa combinación que, además, rockea con bastante vena. Y esa melodía vocal suena definitivamente como algo que extrañaría si no estuviera allí. Four Sticks puede sonar un tanto nula y sosa las primeras veces, pero es una canción que te va tomando de a poco. El riff, en principio tonto y subdesarrollado, se revela  positivamente intenso y poderoso con las reiteradas escuchas, sobre todo por cómo va ganando musculatura y oscuridad con cada sucesiva aparición. Lo mismo que la atípica pista rítimica (se dice que Bonham tocó con dos varas en cada mano y de ahí salió el título de la canción), que inicialmente puede resultar un tanto débil pero que en efecto provee un esqueleto mucho más obsesivo e intenso del que parece. A todo eso sumenle un oscurísimo solo de sintetizadores y tenemos una pequeña e injustamente olvidada gema. 

Going To California es una imponente re-escritura de That's The Way, que aporta más de esas guitarras acústicas y mandolinas mejestuosas patentadas en Led Zeppelin 3, solo que esta vez con una melodía aún mejor y una de las pocas letras realmente bellas y evocativas de Plant. Y para cerrar la cuarta obra maestra consecutiva ¿Qué mejor que OTRA épica? ¡Y qué épica! When The Levee Breaks es lo más cercano al blues que tenemos en este álbum... y si pensabas que la virulencia y oscuridad que Led Zeppelin había impregnado en los blues de su primer álbum eran la última palabra... este tema te va a volar en fragmentos deformes y sanguinolentos. Los tambores de Bonham abren la canción a todo trapo con un sonido particularmente terrorífico, pero cuando entran la guitarra y la armónica el panorama es simplemente devastador. La armónica de Plant suena positivamente malvada, cruel, HIJA DE PUTA ¿Alguna vez se preguntaron como suena una armónica HIJA DE PUTA? Escuchen este tema y sabrán exactamente a lo que me refiero. Junto al slide maligno y venenoso de Page, el conjunto suena obscenamente siniestro, infernal, sangriento, tenebroso, ENFERMO y uno espera de un momento a otro que una sierra eléctrica salga de los parlantes y corte a todos en pedacitos. ¡Waw! ¡Es la banda sonora para el apocalipsis! Una de las mejores atmósferas que experimenté en mi vida. Cada vez que escucho esta canción me imagino un atardecer sobre una ciudad oscura y monstruosa donde critaturas enfermas se retuercen desangradas en las calles y un cielo rojo y vaporoso anuncia una inminente destrucción, un destino irrevocable de ruina, dolor y muerte. Increíble, tan intenso como Gimmie Shelter de los Stones. Puede ser que sea un poco larga, pero los giros melódicos que hace la guitarra con ese sonido increíble justifican de sobra los siete minutos escalofriantes que dura este tremendo tour-de-force apocalíptico. El blues llevado a sus límites más insopechados y brutales.

Y esta es la quintaesencia de Led Zeppelin. Un álbum cansador, agobiante pero sumamente fascinante que, aún faltándole la gracia y frescura de sus primeros álbumes todavía está bastante lejos del dinosaurismo reseco y sin imaginación de los últimos años y que arroja algunas de las páginas más intensas de la historia del rock. El último infaltable.

Sección COMENTARIOS DE LECTORES sobre LED ZEPPELIN IV!

Houses Of The Holy - 1973

8+/10